還真想不到，宮崎吾朗（下簡稱「吾朗）經歷了《地海傳説》的劣評後，依然再接再厲，以導演身份參與《紅花坂上的海》(台譯《來自紅花坂》)。要評價他在此作的表現及進步，要先了解他與宮崎駿在創作上的分工，再從相應角度去分析此作。

作品製作過程
(以下資料來自 NHK 節目「父與子的300日戰爭 – 宮崎駿x宮崎吾朗」)

吾朗在《地海》上映後幾年寫過不少企劃書，但始終沒有被 Ghibli 製作人鈴木敏夫所接受。話雖如此，鈴木敏夫認為宮崎吾朗具有想像力以及有之付諸實行的執行力，仍是可造之材。2009年，宮崎駿寫了一份企劃書，提議將高橋千鶴的漫畫《紅花坂上的海》動畫化。鈴木敏夫認為此計劃可行，並安排由宮崎駿編寫劇本，由宮崎吾朗執導，成為第一套父子搭檔的動畫。

製作過程中，宮崎駿寫完劇本後就一直避免參與，甚至避免接觸宮崎吾朗。他本人依然覺得吾朗並不適合做動畫導演，甚至說過「吾朗就算放棄當導演也沒關係，或者說放棄了更好。真的，他不適合。『想做』和『能做』是兩碼子的事。」。吾朗也不想父親干預他的導演工作，希望盡力令作品更具個人特色。但是，宮崎駿結果還是替女主角設定點明了方向。

那時還是繪畫作品前半部的分鏡稿，鈴木敏夫看完分鏡稿後，認為女主角形象模糊，無法拿去上映。吾朗為此在家中與負責人物設定的近藤勝也苦思修訂方向，但沒有甚麼突破，直至宮崎駿托員工傳來一張畫。在和煦陽光照滿橫濱的早上，海大步前往上課，正要經過魚店，身體微微向前傾，顯得有點趕急。就這一張畫，活現了阿海那總是忙於家務而又保持開朗的形象，吾朗與製作小組立時茅塞頓開。基於這個形象，吾朗開始修改分鏡，讓角色個性更鮮明。

除此之外，劇初阿海疊被子的情節也是宮崎駿向鈴木敏夫提出，他代入阿海的角色去思考，認為應該會這樣做。吾朗起初並不同意，但經過鈴木敏夫遊説後最終加入這一幕。

以 NHK 記錄片所言，宮崎駿之後就沒有再介入導演的工作，由吾朗獨力去完成作品後半部份的分鏡稿。

宮崎駿不擅寫劇本
(以下資料來自《出發點 – 1979-1996》，宮崎駿著)

有宮崎駿為此劇撰寫劇本，那麼此作的故事鋪排應該有高水準吧？筆者對此抱質疑態度。宮崎駿其實一直不習慣先寫劇本、後畫分鏡的基本動畫創作模式，他認為「腳本不過是個待修改的雛型吧」(P.80)。由於他過往的作品主要都是原創，他在很多作品都是直接畫分鏡稿，一方面由於製作時間所限，另一方面他亦承認嘗試過將自己寫的文字轉成分鏡效果不佳(P.115)。由於他自己的作品也沒有仔細編寫劇本的習慣，所以筆者對於他這份劇本的完成度抱有懷疑。換個角度去想，就算是宮崎駿自己拿着這份劇本去執導此作，他自己想必也會不斷修改吧。

作品總整評價

有不少朋友説此作劇情沒新意，很容易猜透。筆者認為由於此作改編自高橋千鶴於1980年發表的漫畫，所以劇情橋段老掉牙實屬非戰之罪吧。

雖然劇本完成度成疑，但論作品完整性及統一性，則肯定比《地海》好得多。建基於宮崎駿的劇本上，此作的故事鋪陳顯得流暢清析，但尾段高潮篇幅不足，未能凝造氣氛。在作品表現力方面，可以看到吾朗強化了重視音樂及擅長空間描繪的特色，但在基本的人物刻畫、分鏡構圖及動作表現方面仍然欠佳。

風格一：重視背景音樂

吾朗在此作進一步強化了背景音樂的重要性，在描寫人物心境及時代背景方面，偏向於利用類似 music video 的表達方式。這手法某程度上彌補了他在人物刻畫上的單調，但作為90分鐘的電影動畫，筆者認為音樂的使用有點過火，有時候突如其來的音樂反而有點違和感。

風格二：明快時空描繪

或許由於吾朗是園林設計師出身，他在此作顯露出他的空間描繪效果不俗。他從不同角度描繪當時的橫濱與東京，再配上當時的音樂，這種具 MV 風格的手法明快地展示了那時的人文風貌，在短時間內帶出了那特定時空的氣氛。

問題一：角色個性刻畫

雖然宮崎駿的一張畫敲定了阿海的個性，但全劇整體角色描寫仍然欠佳。最明顯的，莫過於生硬而欠變化的眼神，令人物細緻感情未能充份表現出來。例如男主角風間俊雖然會有活潑、深沉等不同表情，但眼神始終大同小異，令角色感染力大減。還有，男主角既然屬於活躍派，如果能在動作設計上更強調個人風格，與其他學生略有不同，則更能令其形象活現。

此外，有好幾次角色表情轉變來得太突然，筆者看兩次仍是覺得不太連戲。例如阿海第一次到拉丁樓，水沼告訴她物理試題予測對她有幫助後，她突然由有點不知所措變成笑得很開心，而且之後一直在笑；還有幸子 (家中的寄宿美術系學生) 幫阿海做咖喱那天，原本她是精神奕奕地來幫忙，但之後當阿海告訴她要外出時，她突然顯得垂頭喪氣等等。

問題二：分鏡構圖

此作的分鏡雖然敍事流暢，但是很多時候僅停留於叙事層面，未能以分鏡及構圖帶動氣氛，這也直接影響到上述的角色刻劃。全劇最核心的劇情理應是阿海與阿俊去確認自己的身世，得知自己是否兄妹，但是此段卻未能凝造氣氛。宮崎駿的劇本此段太短是主因，但分鏡及構圖缺乏魅力也是致命傷。雖然男女主角前往碼頭是非常趕急，但動畫上卻可以用不同的手法拖延，例如穿插回憶片段、多刻畫二人的情緒變化、多加幾個障礙、不時插入時鐘以顯示快趕不及等等，務求讓觀眾更加著急，增加代入感及凝造氣氛。吾朗在 NHK 訪談中表示兩位主角跳上吊梯、阿俊抱住阿海那一幕上常重要，他經過多番思量，想表現出阿俊對阿海的情感。但是在作品之中，筆者卻未能從此幕感受到甚麼，只可說是頗為平凡的描繪，未能表現出阿海「很想緊緊抱住她」的感情。

問題三：動作描繪

細看的話，會發現此作的動作描繪較為單一，而且時有簡化。宮崎駿過往的人物及動物動作總是讓人覺得栩栩如生，是因為他會對於人或物的動態網羅大量資料，以及仔細觀察細緻的動態，研究如何去表現不同人和物的動態觸感 (《出發點》，「從發想到影片」段)。如果套用 Steve Jobs 的座右銘，就是「attention to details」。這需是長時間的仔細觀察，並非一般量產動畫製作可比擬的。此作的動作雖然依然流暢，但欠缺了宮崎駿作品那種讓人覺得活起來的感覺。然而，這也許與製作時間遇上關東大地震有關，令製作人手及時間被迫縮短，可能也是無可奈何。

問題四：高潮篇幅太短

正如前文所述，兩位主角去確認身份應是全劇最重要的一段、是高潮所在，但是實際所佔篇幅卻太少，而這一點應該與宮崎駿編寫的劇本有關，這段過於簡短。如果以他對劇本的理解，「工作人員會徹底地拆解內容，並換進別的內容。」，或許吾朗應在理解後將這段加以擴充，讓全劇的高潮聚焦回兩位主角的感情線上。現在讓人感到全劇的高潮在於拉丁樓的成功保存，而未能將這氣氛延續，進一步推高至阿俊確認身世，突顯二人的感情線才是「核心中的核心」，實為可惜。

總結

在宮崎駿的有限編劇幫助下，宮崎吾朗在此作的表現比《地海》有所進步，但距離一個真正的電影動畫導演尚有很大距離。與《借東西的小矮人》相比，此作可以說是明顯被比下去了。

其實筆者認為吾朗如果真的決心要在動畫行業繼續做下去，就應該多做短篇作品，從中吸取經驗，就如宮崎駿現在也有製作短篇動畫在 Ghibli 博物館播放一般。上文提及的兩種個人風格，筆者覺得尤其適合短篇作品，值得多加發掘與研究。其實如果他在《地海》後那三年不是用來寫那無數個被打回頭的企劃，而是不斷在製作短篇小品中嘗試與學習，筆者相信他的進步會更多。畢竟，由零經驗突然要躍到導演，缺乏切實的動畫師經歷，實在很難成功吧。

P.S. 上次《地海傳說》動畫雖然很爛，但是由吾朗填詞的「地海歌集」其實卻不錯，不知這次又會否有歌集？

此文附圖 (順序)：
1. 《紅花坂上的海》官方網頁： http://kokurikozaka.jp/
2. 《出發點》中文版封面
3,4. 香港官方預告片截圖

嗯，筆者知道《秒速5厘米》(台譯《秒速5公分》)是很舊的作品，但由於筆者延續「我來自 Big Bang」精神，上個月去逛書店清倉特賣時，才知道有新海誠本人寫作的《秒速5厘米》小說…… 反正筆者未有正式寫過此作動畫版的感想，那麼就藉此機會寫下來吧。

動畫版感想簡述

按此顯示含劇情段落

動畫版給與筆者的感覺是貴樹一直未能放下女主角明里，讓自己沒在悔意之中。正如新海誠本人所說，動畫是單純、專注地描寫生活的速度如何影響著感情轉變的速度。在「櫻花抄」篇，貴樹與明里開始分開，感情的速度開始有變化，但在那唯一一次重聚時又再次拉近。在「太空人」篇，貴樹無法與明里通訊 (其實這點是此作的漏洞，既然有手機又怎會無法聯繫…)，在不知明里成長速度與感情變化速度下，他自己無法調整自已，令自己漸漸「失速」。到「秒速5厘米」篇，貴樹已經完全迷失方向，反而明里已在新的道路上前行。直至作品結尾，一次偶然重遇明里，貴樹在好像若有所悟。新海誠並無明示貴樹在那自嘲的笑容之後，是否明白大家已用不同的速度、朝不同的方向行走，應該調整好自己的步伐，好好繼續前行。不少人不明白為新海誠沒有完成整個故事，但其實貴樹的最終想法真的重要嗎？筆者認為新海誠希望表述的是人生速度變化對感情變化的影響，至於最終應該去領會箇中意義的並不是貴樹，而是螢幕前的觀眾。

作品美術仔細漂亮，是新海誠風格的代表作，對於這方面我不再詳述了。在敍事風格方面，此作繼續他過往的特色，例如多用定鏡描繪主角情感，不時前後插敍往事，利用靜態場景的蒙太奇凝告氣氛，異常重視畫面與歌曲的配合，以定鏡作為讓觀眾回細劇情、體會角色心境等等，貫徹及強化他那種「慢敍事」的風格。筆者當年看這套作品時認為，他的作品已經幾乎可以稱為「半動畫」了，萬萬想不到他在之後的《追逐繁星的孩子》會嘗試將「慢敍事」由「半動畫」分離，製作動作場面流暢的作品，尋找個人風格與主流風格的交匯點。(詳見另文：評《追逐繁星的孩子》(上) – 製作水平篇、(下) – 故事內容篇)

小說版感想簡述

小說的編排與電影一樣，也分為三個短篇，但故事內容略作修改，加入了更多內心的描寫，以及加入了男主角貴樹畢業後的幾段戀情，讓讀者更細緻了解他的想法。雖然修改不是很大，但是對故事發展及作品思想影響頗深，下一段會詳述。原本筆者單純是以新海誠粉絲的心態去買這本小說，對他的小說技巧沒有太大期望，但讀着又覺得行文不俗。他將那種「半動畫」的風格帶進小說，多次將蒙太奇的連串靜態場景用文字去描述，再引申出主角的想法，效果有點令筆者喜出望外。還有他本身們強項是帶有主觀情感的仔細景物描繪，將此轉化為文字也正好是感性小說常用的技法。

小說版與動畫版比對

雖說小說版的故事只是略作修改，但對於中心思想的表述卻是有着很大影響。

按此顯示含劇情段落

小結

無論是客觀而言還是作為新海誠粉絲而言，小說版都值得一看，是一部完整的獨立短篇小說。動畫版延續他喜歡讓讀者自行細味及領會的風格，而小說版則直接與讀者一起探索，由貴樹的經歷勾勒作品的思想，可以說小說是入門版呢！而動畫版則毋用多說，是他暫時最有新海誠個人風格的作品，當然不能錯過吧。看過的各位，不妨重溫一下片尾主題曲：

延伸閱讀：
夜神的幽玄之間 – 秒速5厘米-後感

註：此文使用之圖片為：
1. 產品封面照片
2. 香港發行《秒速5厘米》的媒體宣傳用劇照

P.S. 原來主題曲《One More Time》當年 (1999) 是有廣東話版，是由鄭中基主曲，配上《秒速5厘米》感覺也不錯啊：

(圖片來源：完全復刻版 新寶島｜「新寳島」の復刻作業)

《新寶島》的影響力

在戰後的日本，流行的漫畫除了報章上的四格漫畫，其次就是繪本式的漫畫。當年日本流行「紅皮漫畫」，是紙質粗糊的漫畫本，製作過程由於需要在製板上重新描繪，所以亦容易讓製成品與原畫出現偏差 (註一)。但由於價錢便宜以及受到小孩歡迎，所以成為當時漫畫界的主流，手塚治虫早年的作品就幾乎全都以這種形式發行 (註二)。《新寶島》在當年 (1947) 的紅皮漫畫銷量雖然只排行第三，但是前兩位其實都是繪本式作品，只有《新寶島》是以現今的對白式漫畫創作。當年只有十八歲的手塚治虫將創新技法帶進漫畫，而且銷量極佳，在物質圚乏的戰後社會仍發行了幾十萬本 (註三)，此等成功不單止吸引當時的漫畫業轉向發展對白式故事劇情漫畫，更間接吸引了很多小讀者日後成為著名漫畫家 (如石之森章太郎、藤子不二雄) (註四)。所以，《新寶島》確實是日本戰後漫畫熱潮原爆點，掀起往後日本漫畫的無盡熱潮。

手塚治虫創作的背後

在探究《新寶島》究竟有何利害之處之前，筆者希望先分享一下「漫畫之神」究竟是怎樣能夠在讀大學其間就已經完成此創作。看手塚治虫當時的日記 (註五)，當時是大學生的他已經開始在報章連載四格漫畫，先後有《小馬的日記本》及《小A小B探險記》，同時亦不停創作新作品投稿到不同的出版社，又接下不少廣告畫的工作，十七八歲就已經無間斷地不停作畫。眾所周知手塚治虫高峰期是同時連載很多部作品，創使力之高可謂無人能及，但原來早在大學時期就已經可見端倪。如果繼續回顧他當時以及兒時的生活，就會發現這不是偶然或單純是天才之故。
(右圖出自《手塚治虫的漫畫之旅》(手塚治虫著，萬里機構中譯本，2009))

手塚治虫的創意來源

在其日記裏，可以看到家住寶塚劇場附近的手塚經常看各式話劇、歌劇及電影，亦有參與評論會，從中學會不少說故事的技巧。他亦曾在專欄裏講述過自少參與話劇演出的情況，自言因為演出過不同角色，所以對人物設定方面可以做得比較深入，有時動作設計也會像演戲 (註六)。對比當年的作品與當時流行的漫畫，其實也會看到當時其他流行文化的影子，而年輕的手塚就將不同的技法融匯到他的作品之中，豐富其漫畫的表達能力。而且，手塚出身於中產家庭，父親家藏很多世界小說名著，手塚的無數青少年歲月就在小說裏渡過，當中尤其鐘愛《罪與罰》，啟發他將角色多樣性及錯綜複雜的關係帶進漫畫 (註七)。他家裏還有一樣當年很時髦的寶貝—投影機，讓他在家中翻看迪士尼動畫，那些流暢的動作深深刻印在腦海中，助他日後在漫畫作品中描繪出像動畫剪接一般的分鏡。

家庭對手塚的影響及支持

除了上文提及家境富裕外，手塚治虫的父母開明地支持兒子繪畫漫畫亦對他有很大幫助。他父母都是當時很摩登的人，購買動畫底片回家欣賞，又收藏不少漫畫雜誌，手塚的同學亦因此喜愛到他家玩耍 (註八)。及後到了大學時期，父親仍會與手塚去漫畫會 (註九)，母親甚至會替手塚去交原稿 (註十)。為了讓未成名的手塚能繼續繪畫漫畫，其父母更不惜變賣家當去替兒子買作畫工具，手塚在日記裏亦說「唉！父母之恩真是難以回報啊！」，甚至一時感嘆「父母血汗錢所買的製圖紙，其實是甚麼也不是的白色紙張罷了，上面再塗上甚麼也不是的畫。說穿了，只是沒有任何價值的東西罷了。」(註十一)。那時正值二次大戰後，生活十分困難，但手塚的父母仍堅持支持兒子發展其興趣，實在是他日後成功的大動力。
(右圖：出自《手塚治虫的漫畫之旅》(手塚治虫著，萬里機構中譯本，2009))

手塚治虫的少年時代深受各種流行文化影響，又經常翻閱經典劇作及小說，其創作力是在日積月累的閱歷下日漸成形，然後再加上家庭對他的支持，才讓他能夠有足夠的根基以十八之齡爆發創作力以《新寶島》一舉成名。然而，《新寶島》的出版過程也頗為曲折，甚至手塚亦認為「只有《新寶島》我不想再版」。下文將會向各位簡述當中原委。

主要參考書目：
《手塚治虫 – 不要做藝術家》(竹內オサム著，萬里機構中譯本，2009)
《新寶島》(1984 重畫版，手壞治虫著，時報漫畫叢書，1994)
《手塚治虫的漫畫之旅》(手塚治虫著，萬里機構中譯本，2009)

註：
一：詳見《手塚治虫 – 不要做藝術家》(竹內オサム著，萬里機構中譯本，2009) 第二章之「5 – 紅皮漫畫之出版」及《新寶島》(1984 重畫版，手壞治虫著，時報漫畫叢書，1994) 書末之「《新寶島》改訂版發行的原委」。
二：詳見《手塚治虫 – 不要做藝術家》(竹內オサム著，萬里機構中譯本，2009) 第二章之「3 – 『新寶島』發行始末」。
三：由於當年多次重印，版本眾多，所以實際發行量已難以估算，詳見《手塚治虫 – 不要做藝術家》(竹內オサム著，萬里機構中譯本，2009) 第二章之「4 – 『新寶島』不同版本之存在」。
四：出處同(二)。
五：收錄於《新寶島》(1984 重畫版，手壞治虫著，時報漫畫叢書，1994) 書末。
六：詳見《手塚治虫的漫畫之旅》(手塚治虫著，萬里機構中譯本，2009) 第二部「我的漫畫記」之「演戲之卷」。
七：詳見《手塚治虫 – 不要做藝術家》(竹內オサム著，萬里機構中譯本，2009) 第一章之「4 – 得天獨厚的文化環境」。
八：出處同(七)，及同書之第一章「1 – 生於豐中，遷居寶塚」。
九：出處同(五)。
十：出處同(二)。
十一：出處同(五)。
十二：詳見《手塚治虫的漫畫之旅》(手塚治虫著，萬里機構中譯本，2009) 第二部「我的漫畫記」之「演戲之卷」。

早前因工作到了上海，順道看一看現在國內的動漫刊物，有兩本比較在意。一本是當時剛剛出版的《天漫》，買進日本作品版權自行重畫，又每期有中日漫畫家對談，頗有新意 (將另文再談)。另一本在意的是《漫友》，書度比從前大了，差不多等於 A4 size (筆者量度為 210x285mm)。從下圖可以看到，如果是看該刊的頭號作品《長歌行》的話，在這大書度下閱讀真的很舒服，便於感受作品的氣勢，也便於仔細地看作者的畫功。

這部《長歌行》是美少女漫畫家夏達的新作，翻查網上資料，發現原來她自上一部作品《子不語》開始，已經在日本集英社的《ULTRA JUMP》，並有推出單行本 (見《ULTRA JUMP》官方網頁)。《ULTRA JUMP》雖然說不上是最受歡迎的一線期刊，但此刊物卻有不少很具個人風格的作者，例如荒木飛呂彦、寺田克也、弐瓶勉、萩原一至、七瀬葵等，能與這些前輩在同一刊物上連載，已經是一種難得的肯定。能進軍日本這個競爭激烈的漫畫市場，足見夏達的漫畫創作水準，同時筆者相信漫友編輯及夏天島工作室等人在幕後也花了不少功夫。畢竟能夠長時間進軍海外連載，不單止是一個漫畫的名聲，亦是對國內漫畫業界更了解日本漫畫界、更清楚別人對自己的看法的一扇窗，希望大家都能繼續努力。

加大書度後的《漫友》，雖然看頭號作品看很得舒暢，但是其他作品則是四頁縮刊成一頁，看得頗為辛苦。如此細的印刷，也實在無法清楚欣賞作者的畫作，實在有點可惜。這些作品有不少都是短篇，有些是得過金龍獎的新人，或許是一個試練場吧。雖說是短篇，但是有些作品在故事及作畫的水準都很高，有些是編輯為編劇與作畫配對組合，讓他們擦出更多火花。以此期為例，《真實的面具》的彩繪令人眼前一亮，《洛天瑪特》及《普羅旺斯的風》那種治癒系風格掌握得不錯。長篇作品方面，《臨淵之歌》頗重MMORPG格調，但上色略調太重CG味道，《一夕一夏》的作畫頗有個人風格，讓人印象深刻。

整體而言，漫友的水準依然很高，但如果《長歌行》以外的作品不用四合一縮印，可以改用二合一的話，讀者能看得更舒服，作者所花的心機也更值得，更能反映在刊物上。筆者也明白這方面肯定受到成本及售價的限制，但願《漫友》能找到解決方法吧。

參考資料：
美女漫画家风靡日本 夏达："买椟还珠"令我尴尬
旅日中國漫畫家夏達新作《長歌行》將登日本
集英社 ULTRA JUMP

手塚治虫的長篇漫畫作品《佛陀》被動畫化，當初知道時已經頗為期待。手塚當年以這位宗教及精神領袖創作故事殊不簡單，到了今天將之動畫化更是高難度，要吸引觀眾但又不失佛家精神，實在要膽大心細。友人說在日本宣傳氣勢十分強大，看來是極為認真的製作，加上找華納來聯合發行，找 X-Japan 唱主題曲，看來頗有意圖進軍世界之勢。如此長篇的漫畫當然不可能一套電影完結，看到台灣的譯名叫作「佛陀：首部曲」，就猜得到此作應該還有續集。

作品水準中上

單論動畫本身，此作水準不俗，屬中上作品。畫面絕大部份為傳統手繪2D製作，人物動作生動流暢，重用畫面極少，部份場境描繪仔細亮麗，那少量的 3D CG 與 2D 畫面接合也非常自然（如左圖的觀眾就是 3D CG，但我想一般觀眾不會察覺吧），水準確實比一般流行動畫電影版為高。然而， 有些方面的製作水平仍介乎電視動畫與電影動畫之間，不禁令人可惜未有多投入一點資源，讓作品更臻完美。

有部份遠距離鏡頭仍見有得過且過的情況，例如在高空遠觀市集時，民眾只以電視動畫常見的簡化手法描繪，相對於整部動畫的水準有所落差。 手塚的風格固然較為簡約，但到了大銀幕上難免要有所修訂。事實上此作大部份場境都已經過潤飾，在保留手塚風格與貼近當今電影動畫質素這兩難問題上，整體而言已算不俗。但就一二線角色而言，筆者認為有時候仍略嫌粗糙，與一線日本電影動畫相比尚有矩離，但全劇亦未見有近年越趨嚴重之走樣問題，可謂比上不足比下有餘。

(下文含少量故事相關資訊，但不含劇透，無礙觀賞電影)

故事鋪排出色

以日本的技術水平，在資本充足的情況下要達到高作畫水平其實不難。但論故事編排，日本的漫畫改編作品則令筆者擔心。不少作品均因為太着重要忠於原著，而令電影劇情安排失焦，又或太漫畫化，當中尤以長篇原作更易出事。這次將長篇漫畫《佛陀》搬上大銀幕，效果非常好，讓筆者的疑慮一掃而空。以雙線故事帶出佛陀出家的背景，讓觀眾體會佛陀當時的苦惱。能將將生老病死這問題包裝得具吸引力，故事剪裁又見完整，確實不易。

說來慚愧，筆者雖然是個手塚迷，但仍未看過漫畫《佛陀》，但是由於早前對佛理有所興趣，所以對佛陀生平略知一二。此作佛陀出家源起為主線，這方面以筆者所得的史料，故事並非非常曲折或吸引，難以單獨成為一部電影。友人聽聞動畫劇情與漫畫大致相同，那麼手塚當年確實獨具匠心，敢於在先哲傳記上大幅創作，加入虛構角色讓故事變得引人入勝，又以雙線故事帶出人生之苦，此膽大心細及精彩設定令人佩服。
(題外話，故事中的人生無常，與手塚另一部作品《火之鳥》有相似之處，兩者均為手塚感悟人生之作)

市場定位模糊

正如前文所說，此作整體水準屬中上之作，筆者個人而言己有喜出望外之感。但是對於此作若在世界能夠吸引廣泛觀眾，筆者就有所保留。此作明顯地是針對年青人及成年人的作品，一來故事主題較嚴肅，二來打鬥場面也明顯是青年動畫級。作品對老病死的痛著繪述頗沉重，相信小孩不適合受此意識上的刺激，戰爭場面裏的打鬥雖未至於血肉橫飛，但不少互砍、戰死與斷肢也確實超越一般全齡向動畫的底線，因此筆者相信目標群眾是步入成年的年青觀眾以至成年觀眾。但是在海外市場，筆者擔心手塚治虫的名號會否只讓人想起 Astroboy，要宣傳這部作品並打入青年、成年市場可能並不容易。

無論如何，筆者也祝願這部作品能成功進入亞洲以至全球的電影院，將手塚治虫歷久不衰的作品用新的形式為觀眾帶來新的體驗，更希望能以好評相傳吸引更多人接觸手塚治虫題材較嚴肅的作品。

圖片來源：新一影業提供

佛陀典藏版1 迦毗羅衞 佛陀典藏版2 四門出遊 佛陀典藏版3 提婆達多 佛陀典藏版4 烏爾貝臘森林 佛陀典藏版8 祗園精舍 (完)

前文：評《追逐繁星的孩子》(上) – 製作水平篇

新海誠作品一向以「距離」為主題，有物理上的距離，有時間上的距離，也有內心之間的距離，描寫因為距離而產生的情感，組織成一個個動人故事。這次，他又在這個主題上再發掘新的角度，去訴說生者與死者之間的距離。

「距離」是背景，很多時候是人所不能控制的，但人可以選擇怎樣面對。很有趣地，在新海誠的不同作品當中，似乎看到作品裏面對距離的態度漸有深入演化。《她與她的貓》表達人的內心與世事的微妙聯系，《星之聲》與《雲之彼端》描寫的是思念、是堅持，去追尋對方，去守護約定。《秒速5厘米》轉而描寫由思念變為自困，最後終學懂放手。到了《追逐繁星的孩子》，導演繼續將主題深化，表達既守護珍貴的回憶，同時勇於展開新生活態度，開始將「守護」與「放手」兩種似乎大相逕庭的態度連在一起。

(下文含劇情內容)

新海誠一如以往，總是喜歡將主角的行動目的藏一下，讓觀眾透過作品去體會。有些朋友看不明白，筆者就此簡略寫一下自己的理解。女主角明日菜為何要進入雅戈泰？因為她心底裏有追尋的衝動，想追尋瞬，嘗試推翻他已死的事實，以及去接觸他的故鄉。在她沿河道走時，她說她明白了這旅程是出於寂寞。這裏筆者所理解的「寂寞」不是生活沉悶、無所事事的寂寞，而是因為不懂面對離世的人，無法解放自己內心而形成的「寂寞」。

此作的中心顯然是如何處理人與人的最大距離——生與死。在女主角的冒險旅途上，導演透過不同的角色與事件去表達自己的想法。衷夫的母親、大限將至的瞬，以及將一切豁出去男教師森崎對女主角明日菜的祝福，還有理莎對森崎的祝願，反映著導演認為不論生者死者，都希望身邊的人能健康地活下去。小貓咪咪完成了自己作為亞得利科的使命後，很快就死去了，有「生死有命，毋用強求」的感覺。明白菜與心在草原上痛哭，初次打開心中的堤壩，讓淚水沖走壓抑已久的傷痛。森崎放不下亡妻，不惜一切地尋求重生之發，看得亡妻也心酸，重生後甫見面就自責「沒有好好守護你」，消失前叫他「追尋幸福吧」，是趁劇末就峰其再次強調導演的信念，心愛自己的人就算離世也希望自己能快樂地活下去。劇末三人的對話，心認為回憶是神對人類的咀咒，但明日菜則認為回憶同時是神對人類的祝福，是導演打算用樂觀面對死亡為全片作結，認為應該好好珍重回憶，而不是將之變為重擔。

或許是筆者越來越多愁善感了，看到劇中好些情節，都不禁聯想起自己的經歷，初次觀賞時甚至眼泛淚光。明日菜的母親在雪地上痛哭，年紀尚小的明日菜不知就裏，母親雖然明白亡夫的話，但確實難掩傷痛，令人心酸。劇末最終那將回憶視為神的祝福的論調，與筆者的信念又有所相似。筆者認為回憶是抹不掉的，嘗試去「忘記」只會迫得自己鑽牛角尖，反而將回憶珍而重之地收藏，在感謝亡人的同時敢於踏進新生活。究竟回憶是咀咒還是祝福？其實是視乎當時人怎樣去理解、去看待回憶吧！

眾所周知新海誠的「招牌菜」是仔細華麗的場景，此作當然少不了，但筆者認為最讓人細味的是他獨特的叙事方式。透過一件件小事件，以及不同的角色組合，分階段逐漸表達作品的思想。而到了接近劇末高潮時，則會使用快速剪接方式，讓觀眾與主角一起回顧之前的重點情節，然後才為全劇思想作結。新海誠的作品最吸引筆者的，就是他能夠善用這種鋪排手法，讓觀眾很容易代入其中，一起與主角去經歷種種事件，再一起探求作品的核心思想。就是這種叙事手法，再加上善用定鏡的華麗場景，構成了新海誠的個人風格。

其實看畢此作，筆者不禁會想起數年前的《勇者傳說》，還有去年的《新子與千年魔法》。在《勇者傳說》後就已沒有聽到 GONZO 製作電影動畫的消息，而《新》更是取消了在香港的上映，實在可惜。新海誠貴精不貴多，作品水準不斷提高，今次在港上映已邁向第二個星期，可喜可賀。希望可以讓更多海外觀眾欣賞，推動新海誠繼續創作令人眼前一亮的作品吧！

圖片來源：新一影業提供

後文：談《追逐繁星的孩子》(下) – 故事內容篇

新海誠及其班底的作畫水準，相信不用多說，是出了名的細膩精緻。但以動畫而言，卻略嫌動感不足，喜愛多用靜物描寫，用「Pan 鏡」，用圖層移動，但人物角色越來越文靜，誇張一點可說是「半動畫」。看見近年動畫迷對其精緻作畫趨之若鶩，欣賞其靜態作畫多於動態，我曾反問究竟這種「半動畫」的流行對動畫而言是好是壞？看罷《追》，我這些無謂的思量可以暫停了。《追》所展現的動感是豐富而自然的，同時與細緻的背景非常配合，令作品在動靜兩面都更讓人賞心悅目。此作既保留了新海誠一貫的細膩畫風，又有精彩的動作場面，這方面令我非常意外，亦非常喜愛。
(《星之聲》固然有機械動感，但上文指的是2D角色動作，主要是人物動作)
(此作的作畫監督及角色設計為西村貴世，美術監督為丹治匠，兩人均是新海誠的舊班底)

寫完了。

真的，有關製作的感想，寫完了。

我這篇所謂「評論」，其實只想告訴各位，忘掉評論，不要專注於枝節上。

總之，去看吧。懷著一個單純的心，享受這趟冒險旅程。

我也要再看，完完全全去享受整套作品。

圖片來源：新一影業提供